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L’édition d’artiste à l’ère de sa propagation même

Françoise Lonardoni

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Sous leur apparence modeste, les éditions d’artistes donnent forme à des questions esthétiques et politiques ancrées dans les avant-gardes des années 1960 : contourner le commerce de l’art, affranchir l’artiste des ha-bitus de l’exposition, développer un propos spécifique à travers l’imprimé.

C’est à la fin des années 1990 que s’est forgé en France un nouvel intérêt pour la forme spécifique du livre d’artiste, à la faveur des publications d’Anne Moeglin-Delcroix qui a défini ce champ esthétique.

Au-delà du livre, l’édition se répand en ephemera, cartes postales, feuillets, affiches, fanzines, qui offrent autant d’espaces de création. La plupart du temps gratuits, multipliables, ils sont liés par essence à la dispersion, s’adaptent aux contextes, évoluent avec les technologies et, par leur simplicité même, portent une grande attention aux questions graphiques et techniques.

Comment les pratiques éditoriales condui-sent-elles à une nouvelle pensée de l’art ? Quels en sont les enjeux, à l’heure de la circulation numérique des contenus et de la concentration de l’édition commerciale par quelques groupes ?

La suite à retrouver par 👉 ici !