Cette édition est le résultat d’un effort commun entre PrintRoom (à Rotterdam) et Temporary Services (à Auburn dans l’Indiana et à Chicago). Nous avons demandé à des artistes éditeurices basé·es aux États-Unis, en Europe et aux Philippines de réfléchir sur l’importance de l’édition indépendante à notre époque. Nous les avons invité·es à se questionner sur les forces de leur pratique, sur les défis qu’elle soulève et sur la manière dont iels contribuent à la vie de leur communauté.

Cette compilation a été imaginée durant notre résidence à PrintRoom en juillet 2018. Nous l’avons faite pour accompagner un fonds de bibliothèque appelé la Self-Reliance Library (SRL)¹

La SRL est une bibliothèque constituée de plus de cent livres, pensée pour lire et pour créer en autonomie. C’est une collection de livres anciens et d’ouvrages de référence que Temporary Services a trouvés inspirants alors que nous menions nos vies et nos propres projets. Elle regroupe aussi de nouveaux livres avec lesquels nous commençons à peine à passer du temps. La SRL contient des titres récemment publiés encore disponibles en librairie, ainsi que des livres épuisés que vous pouvez trouver dans des bibliothèques publiques ou sur le marché de l’occasion. Cela inclut quelquesunes de nos propres éditions.

La bibliothèque est pensée pour provoquer læ lecteurice, pour encourager une relation plus dense avec l’environnement naturel et humain que nous partageons toustes. Elle a été imaginée pour résoudre des problèmes artistiques, ou pour suggérer des directions originales pour différentes pratiques créatives. La plupart de ces livres comprennent une forte dimension visuelle et un design accessible facilitant le partage des connaissances. Un PDF du livret sur la SRL, ainsi que beaucoup d’autres, peut être trouvé ici : https://temporaryservices.org/served/publishing-2/.

Ce livret est notre 118^e titre. Alors que nous continuons d’exposer notre travail en tant que Temporary Services, nous nous déplaçons de plus en plus fréquemment d’un évènement dédié aux livres d’artistes à un autre, plaçant ainsi directement nos éditions entre les mains des lecteurices. Lorsque nous visitons des villes pour des festivals de l’édition, nous passons beaucoup plus de temps à parler aux gens que lorsque nous installions notre travail dans des espaces d’exposition. Nous rencontrons beaucoup d’autres éditeurices, artistes, écrivain·es, lecteurices, libraires et activistes à ces évènements, et nous essayons de rester en contact avec elleux. Souvent, nous nous retrouvons dans d’autres festivals ; ce sont des amitiés qui se créent et se développent au fur et à mesure des années.

Nous avons rencontré Karin de Jong de PrintRoom pour la première fois il y a quelques années à la New York Art Book Fair. Nous sommes enthousiastes à l’idée d’enfin collaborer à un projet ensemble, et de faire le lancement chez elle, à Rotterdam. Certaines des personnes qui ont contribué à ce livret sont depuis longtemps des ami·es ; pour d’autres, nous venons tout juste de faire leur connaissance dans des contextes similaires. Karin a aussi intégré au projet quelques éditeurices que nous ne connaissions pas au préalable. Nous sommes ravi·es de partager leurs travaux et leurs idées avec vous.

Nous sommes encore en train de prendre conscience de l’étendue des possibles concernant les manières par lesquelles nous pourrions extraire le potentiel des contributions d’autres personnes de cette communauté d’éditeurices hautement indépendante. Ce livret peut être vu comme l’étape d’un processus de création collaborative, de support mutuel, de résilience pour le futur — un futur qui semble toujours plus incertain. Comme à chaque fois, merci de lire nos travaux, et merci de les soutenir.

Je veux écrire un grand statement à propos du pouvoir de l’auto-édition. Mais énormément de ce qui est intéressant avec l’auto-édition est son manque de grandiosité. De plus en plus d’aspects de la culture sont dirigés vers des évènements ayant lieu dans des stades, ou des spectacles laser ; peut-être que l’aspect le plus remarquable de l’auto-édition est son échelle réduite. C’est une échelle qui permet l’expérimentation. Je peux imprimer cent livrets, et si je ne peux pas les vendre, je vais certainement me sentir mal, mais ça ne va pas couler mon affaire ou mon désir de continuer à publier. Même si je crois qu’on gagne énormément à devenir expert·e à une tâche, c’est aussi plaisant quand un·e individu·e ou un petit groupe peut devenir d’un coup un·e auteurice-éditeurice-artiste-designer-imprimeureuse. Le découpage de ces rôles délimités peut faciliter la répartition entre d’autres positions dans la société, comme celle de l’auteurice, de l’éditeurice et du lectorat. Cela ouvre la possibilité de nouvelles formes de relations entre ces fonctions, pas simplement de manière abstraite, mais avec chaque acteurice spécifique dans chaque projet spécifique.

« Le monde l’ayant déçu, il s’en était bâti un. » + — Jedediah Leland dans Citizen Kane (1941)

J’ai écrit ça dans mon journal Book of Lies vers 2006. Ça a résonné en moi en tant qu’artiste et en tant que citoyen, et cette citation est devenue la pierre angulaire de mon manifeste pour l’auto-édition.

Je fais ce que je veux, quand je veux.

Mon studio, Flatlands, est consacré principalement à la risographie, qui est efficace tant en termes d’énergie que de temps, et qui utilise des encres à base d’huile de soja. Ainsi, je suis capable de pratiquer une forme relativement écologique d’impression. Je peux créer des monotypes de cactus pour un artiste britannique et, en même temps, imprimer des affiches pour des jeunes à risque de North Lawndale (à Chicago). De fait, la production de livres et leur publication sont en eux-mêmes des actes communautaires : il est possible de renforcer n’importe quelle communauté en matérialisant des pensées et des images dans un format qui peut être manipulé, que l’on peut faire circuler et auquel il est possible de se référer. Prendre part à ce processus est très gratifiant, et parce que je prends en compte les défis relatifs à un budget serré, je suis capable de travailler avec une grande variété de groupes socioéconomiques. Ma pratique d’atelier est profondément inspirée par les interventionnistes, donc j’utilise mes compétences et mon médium pour publier des points de vue subversifs. C’est une époque intéressante pour les personnes pratiquant l’autoédition. Nous sommes désormais inondés dans un monde virtuel de médias, donc le livre, vaisseau de papier, est en train de redevenir précieux. Malgré la prolifération des brouhahas virtuels et des inepties, malgré la médiocrité des médias populaires, les gens sont à la recherche d’authenticité. C’est ça le créneau que j’occupe.

On a tendance à imaginer que les journalistes et les écrivain·es sont des personnes à part, ordonnées par des diplômes et des accréditations, racontant les histoires les plus importantes, rapportant les « news² ». Mais ce n’est plus exactement vrai. Je me souviens de la période après l’élection d’Obama, alors que les médias populaires mettaient en avant des constructions sociales comme le terme « post-racial ». Je savais alors que je devais élever ma voix, apporter du dissensus à cette conversation. Voici où nous en sommes neuf ans plus tard : post-racialisme n’est plus un mot de la langue vernaculaire du MAINTENANT. Au cours des quelques dernières années, il est devenu encore plus important que je puisse m’exprimer sans aucune retenue. Et plus les médias sont devenus déplorables, plus cela a renforcé ma facilité à me créer un modèle contraire à la réalité. L’auto-édition m’apporte une plateforme, et en retour, je peux amplifier d’autres voix de ma communauté tant à l’échelle locale que globale. Je n’ai besoin de la permission de personne — je peux documenter mes expériences et les partager à travers mon propre prisme. Pour mon travail personnel,je gravite autour d’artistes qui m’inspirent et qui me poussent à me surpasser. L’une des qualitéscritiques que je recherche chez les artistes avec lesquel·les je collabore est l’aptitude à voir loin ; pas simplement ce qui est possible sur le court terme. Bien que la beauté de l’auto-édition réside dans son immédiateté, sa faculté à documenter le MAINTENANT alors qu’il est encore intact et valable, elle me donne aussi l’opportunité de contribuer à la conservation des savoirs en laissant un objet tangible à contempler pour une personne future. Alors même que j’écris ce texte, je célèbre le 97^e anniversaire du bombardement du Wall Street noir en 1921, à la suite de l’Été rouge de 1919 ; deux évènements majeurs de l’histoire américaine dont la plupart des citoyen·nes ne savent absolument rien. À chaque fois que je publie un livre, j’exerce mon droit à la liberté d’expression, mon droit de manifester, et je rends hommage à mes ancêtres. Ce n’est pas un exercice de vanité.

Je suis fan des livres de l’édition indépendante en général, mais là j’aimerais parler d’un sous-sous-sous-genre qui compte beaucoup pour moi (et auquel j’ai essayé de contribuer durant ces dernières années). Ce type de livres explore et documente les alternatives possibles qui ont été menées dans le passé par des groupes radicaux pour aborder la politique et la vie quotidienne.

Qu’y a-t-il de passionnant là-dedans ? Eh bien, l’un des problèmes avec les mouvements populaires et les groupes radicaux est que leurs histoires sont rapidement oubliées. Cela signifie que seulement un nombre limité de personnes peut apprendre de leurs succès ou de leurs échecs. Cela signifie aussi que les idées et les méthodes qui pourraient profiter aux gens dans des situations similaires ne sont pas disponibles à la demande. Je pense que c’est là où nous autres, éditeurices indépendant·es, nous sommes avéré·es utiles au cours des dernières décennies : en explorant ces idées marginales jetées aux oubliettes, et en leur donnant une nouvelle audience.

Ces jours-ci, l’Interference Archive est probablement le projet qui rencontre le plus de réussite à cela, via sa collection Documents — mais j’ai récemment eu d’autres coups de coeur, comme le livre remarquablement imprimé d’Eberhardt Press, Jane : Documents from Chicago’s Clandestine Abortion Service, 1968-1973 ; le journal autonome de Miriam Wasser, PILGRIMS : 50 Years of Anti-Nuclear Mass : An Oral History ; et le zine miniature de Leslie James Pickering sur les environnementalistes radicaux des années quatre-vingt, The Evan Mecham Eco Terrorist International Conspiracy.

Chacun de ces titres s’aventure auprès d’un mouvement populaire radical méconnu ; ils résument des idées, fournissent du contexte, et parfois même essayent de tirer des leçons pour aujourd’hui. Étant donné l’important virage à droite des États-Unis, des livres comme ceux-là (et les idées qu’ils renferment) sont relativement importants.

(Pour ma part, j’ai essayé de contribuer à ce genre avec mes livrets pour Free the Future Press : What Are You Raising Them for ? se penche sur les techniques d’éducation parentale de la contre-culture des années soixante-dix, et Mapping Out Utopia consiste en un survol en trois parties de la contre-culture de la région de Boston à la même époque.)

D’autres éditeurices contribuent à cette conversation en réimprimant des documents originaux de mouvements passés. Certains des travaux qui se sont démarqués pour moi dernièrement sont les réimpressions par Gato Negro Ediciones de Statement, édité originellement par un groupe de féministes noires et lesbiennes appelé le Combahee River Collective ; la réimpression du livre de Fu-Kiau et Lukondo-Wamba, -Kindezi : The Kôngo Art of Babysitting_ par Black Classic Press ; et la réimpression de Trying to Make the Personal Political : Feminism and Consciousness-Raising par Half Letter Press. Chacune de ces réimpressions comporte d’importantes analyses ainsi que des idées pour aller de l’avant en changeant sa propre vie. Leurs messages sont très importants et très actuels aujourd’hui.

Il est difficile d’imaginer Harcourt ou Random House sortir ce genre de choses — ce qui veut dire que c’est aux petites maisons d’édition de rediffuser ces idées. Actuellement, nous vivons à une époque qui a besoin d’inspiration, de recul, et de toute une panoplie d’alternatives — je pense que c’est pourquoi on voit davantage de ces livres maintenant. Malheureusement, le réseau de distribution actuel est assez limité, alors j’espère que cet intérêt mènera à une meilleure distribution pour ce type de livres. Soit ça, soit un bouleversement social massif et radical qui rendrait les messages contenus dans ces livres totalement insignifiants. Soit l’un, soit l’autre.

Faire des zines³ a pendant longtemps été considéré comme un acte démocratique et DIY, une pratique qui requiert peu de connaissances artistiques, voire aucune. Formes libres, imagination pure, les zines et les concepteurices de zines inventent un forum mouvant où un ensemble de parutions peuvent être envisagées, développées, et même recréées. New York accueille un riche vivier d’artistes formé·es au storytelling, au design, aux techniques d’impression, et qui voient les zines comme une méthode pour expérimenter avec leur pratique sans limites commerciales ou artistiques.

Pendant les six dernières années de ma vie, et durant la majeure partie de ma vingtaine, j’ai été un curateur de zines pour Booklyn Inc., une alliance d’artistes basée à Brooklyn et qui représente des artistes travaillant avec le papier comme support. Notre mission est de valoriser et d’apporter une crédibilité aux artistes qui créent, matérialisent, et existent à la marge du monde de l’art conventionnel new-yorkais. Ce qui va suivre sont quelques-unes des observations que j’ai pu faire durant ma vie dans les tranchées.

Ville d’histoires, New York a une tradition de perzines⁴ vivaces menés par des créateurices innovant·es qui ont su se maintenir toutes ces années. Ces zines ont valeur de trésor anthropologique pour cette ville si souvent dominée par l’éphémère et les effets associés à la gentrification. Des exemples évidents qui me sautent à l’esprit sont The East Village Inky d’Ayun Halliday, qui parle de maternité et de vie de famille. Fidèle à cet ethos DIY, Ayun écrit ses zines à la main et les imprime à la photocopieuse. Bar Scrawl, de Bill Roundy, est un zine léger et humoristique créé par un dessinateur racontant son exploration des différents bars de New York (principalement à Brooklyn). Les aventures de Bill le « bartoonist » l’ont amené à constituer une impressionnante liste d’adresses (près de deux cents), dont bon nombre d’entre elles a fermé depuis qu’il a entamé son projet au début des années 2010. Le meilleur exemple qui me vient à l’esprit est la collection PEOPs de cette squatteuse de Lower East Side, Fly, devenue à présent une star comique de l’édition indépendante. Chaque page de PEOPs se concentre sur un·e individu·e que Fly a rencontré·e durant ses voyages ou grâce à son important réseau d’ami·es internationaux·ales. Elle dessine le visage de chaque sujet et écrit à la main l’histoire orale de l’interview derrière le portrait. Le contenu de ces histoires orales est varié, allant de la narration de leur rencontre à l’anecdote biographique, le tout constituant un ensemble spontané, entre texte et portrait.

Alors que la scène new-yorkaise du zine a longtemps été considérée comme un véhicule pour les histoires de l’underground, la ville est aussi devenue une source intarissable pour les zines et les ephemera à propos des créateurices s’identifiant comme personnes racisées, quelle que soit leur position sur le spectre ou leur génération. Cette observation est redevenue réalité avec le regain des guerres culturelles suite aux élections de 2016. Les vieilles guerres culturelles, qui étaient traditionnellement définies par la dichotomie gauche/droite, ont été supplantées par l’émergence de groupes de personnes racisées et LGBTQIA qui cherchent à laisser leur propre trace, écrire leur propre histoire, en produisant — et non pas en collectant — leurs propres prints. Aujourd’hui, les personnes s’identifiant comme latinx à New York et dans le New Jersey constituent une présence importante sur la scène du zine, en organisant leurs propres évènements, avec des distros⁵ qui vendent et représentent d’autres personnes racisées créatrices de zines. Des exemples de ce type de collectif sont The Bettys (à Jersey City) et Mujeristas Collective (à New York). Un autre collectif pouvant être listé dans cette catégorie est le Deadass Tho NYC qui est un collectif d’artistes racisé·es basé dans le Bronx et qui sort des zines à propos de la vie dans le Boogie Down. Même s’ils sont principalement visuels, les zines de Deadass représentent une collection soigneusement assemblée d’histoires sur la vraie vie contées par des textes, des photographies et d’autres types d’images imprimées.

Un autre constat que l’on peut faire des zines de New York est qu’ils sont un objet unique en leur genre, en cela que leur relation à l’espace peut être comprise comme l’étape d’un cycle. Les interstices leur permettant de se développer disparaissent rapidement du fait de la hausse des loyers et des pressions liées à la surveillance. En raison de leur nature décentralisée, les zines ont une relation intéressante avec les espaces DIY de la ville. Premièrement, le DIY à New York est un milieu si précaire que la plupart des personnes qui gèrent ces lieux organisent aussi des concerts, leur assurant ainsi des revenus fixes. Les collections alternatives de zines en particulier se raréfient du fait de l’hypermarchandisation de l’immobilier. Les collections de zines, ou les bibliothèques de zines (pas celles dans les bibliothèques universitaires ou dans les grandes bibliothèques) sont parmi les premières victimes quand un lieu dédié au DIY ferme ou doit se relocaliser. Un exemple de ce genre de cas de figure que j’ai suivi avec beaucoup d’intérêt est la relocalisation de la ABC No Rio Zine Library en 2017. En dépit du fait que ABC No Rio ait fermé pour rénovations en 2016, ses zines furent méticuleusement transférés carton par carton de l’autre côté de la rue, dans ce fameux lieu faisant office d’espace culturel et de galerie, le Clemente Soto Velez Center.

Bien que ce ne soit pas un constat final, ce paragraphe rend compte des propriétés uniques des zines comme forme d’art éphémère. Les évènements liés aux zines sont de plus en plus nombreux, pas seulement à New York, mais dans le monde entier. La raison à cela est que les zines deviennent plus accessibles que jamais, et en retour, des évènements artistiques plus larges s’approprient eux aussi cette pratique. Premièrement, les compétences et le travail investis dans la création de zines comme le façonnage, le collage numérique et l’impression se reposent de plus en plus sur les technologies, et ainsi gagnent en rapidité. Deuxièmement, Internet, et en particulier Instagram, sont utilisés comme des forums immenses pour les concepteurices de zines solitaires,les collections de zines et les collectifs d’artistes afin de communiquer et de collaborer avec efficacité et sérieux. Les zines, malgré que leurs racines soient ancrées dans le collage et le bricolage, sont entrés dans les programmes éducatifs conventionnels en permettant d’initier un lectorat plus jeune et plus passionné à l’expression artistique. À New York, les grands évènements exclusivement réservés aux zines, comme le regretté Brooklyn Zine Fest, nécessitent une logistique et un budget énormes pour être menés à bien. À la place, les organisateurices se concentrent sur des évènements de taille petite à moyenne qui ont lieu annuellement ou sur des périodes bien définies comme le Pete’s Mini-Zine Fest, le Paper Jam et le Paper Jazz de Silent Barn. Les festivals de zines new-yorkais ont traditionnellement été considérés par les artistes visuel·les comme des outils pour expérimenter avec leur pratique. Les organisateurices d’évènements le prennent en compte et permettent une certaine flexibilité, en acceptant aussi dans leurs évènements des personnes produisant des livres d’artistes, des illustrateurices et des dessinateurices indépendant·es.

La scène new-yorkaise du zine est un environnement riche qui permet autant aux artistes qu’aux amateurices de s’exprimer et de prendre part à une grande communauté fondée sur la narration et le partage. Des anecdotes de PEOPs sur le squat à Lower East Side aux pages de Deadass Tho sur comment commander un sandwich, les zines de New York constituent une collection des dialogues de l’underground qui fait l’histoire de la ville, et donne du pouvoir à ses habitant·es et à ses artistes.

Nous sommes l’Underground /
Où sont les Undergrounds ?

Internet crée de nouvelles opportunités pour les voix dissidentes / Internet crée moins d’opportunités pour les voix dissidentes.

L’Underground est un lieu regorgeant d’idées et d’actions à l’ère numérique / Internet écrase toute activité quel que soit le médium.

À l’exception du spectacle, il y a toujours une place pour l’opposition et le pouvoir / La société n’est pas prête pour la communication au XXI^e siècle. L’édition est un médium adapté à l’organisation des XIX^e et XX^e siècles. Les modèles efficaces d’organisation sociale accompagnant les médias contemporains n’existent pas encore. La communication a supplanté l’organisation sociale. Les outils indépendants de communication pour le progrès social sont des outils inefficaces, voire ridicules.

Le print n’est pas encore mort /
Le print n’est pas encore mort.

PARCE QUE NOTRE MAISON D’ÉDITION EST TOUTE NEUVE, ON CRÉE COMME ON PENSE. (mais sérieux, qui fait pas ça ?)

Nous, Erin et Julie, une travailleuse sociale et une graphiste, nous sommes rapprochées autour d’un problème contre lequel Erin luttait depuis plusieurs années. Ça donne quelque chose de ce genre : les personnes dans les pays occidentaux impliquées dans le care et la justice se sentent quelques fois dépassées et aliénées par des catégories étroites (c’est à-dire néolibérales) dans lesquelles la bonne manière de faire consiste simplement à résoudre un problème,

« écart de réussite »
« prévention contre l’obésité » ⁷
« intervention préventive »

POINT FINAL.

Cette pulsion à résoudre les problèmes est inquiétante car elle remplace la générosité par l’austérité et l’efficacité. Elle remplace l’expérience vécue. Elle noie les possibilités de dénouements inattendus qui émergent du dialogue. Elle privilégie souvent les idées liées au progrès⁸ qui blessent les individu·es et la planète. _(Nous, par contre, on meurt d’envie de privilégier l’amour et le care !)⁹

Joyeux·se Doux·ce Démuni·e Défait·e Rageureuse Enjoué·e Sympathique Impuissant·e Ennuyé·e Outragé·e Comblé·e Adoré·e Rejeté·e Hostile Fier·ère Aimant·e Méfiant·e Désillusionné·e Amer·ère Satisfait·e Réceptif·ve Suspicieux·se Inférieur·e Reconnaissant·e Excité·e Intéressé·e Prudent·e Confus·e Méprisant·e Amusé·e

La bonne nouvelle, c’est qu’il y a maintenant plein d’opportunités pour étudier et exposer les moyens que le racisme, le validisme, l’hétéropatriarcat, le capitalisme et le colonialisme utilisent pour faire passer des personnes pour des problèmes, et des injustices pour des symptômes. Dans cette veine, les activistes, les chercheureuses et les artistes font un travail merveilleux.

Mais ce travail peut sembler déconnecté des actions¹⁰ que les personnes exécutent au quotidien alors qu’elles prennent soin d’autrui, réclament justice, et construisent leur communauté.

C’est pourquoi nous avons monté Thick Press, et c’est là que l’édition d’artistes entre en jeu.
(Pour info, on ne se considère pas comme étant des artistes éditrices — simplement comme des personnes qui tirent leur inspiration de l’art et du design pour concevoir leurs livres.)

S’inspirer de l’art et du design nous fait nous sentir moins contraintes par les canons justifiant de la légitimité, ou non, d’une publication. Nous ne ressentons pas la pression à gagner des tonnes d’argent, d’atteindre un large public, ou de diagnostiquer et de traiter des problèmes.
(sauf pour le problème d’être obsédé·e par les problèmes !)

Moins nous nous inquiétons de la rentabilité et de la production, plus grande est notre latitude à assumer des projets qui sont pertinents pour leur intérêt propre. Nous nous heurtons au monde dans lequel nous vivons¹¹, mais cela fait partie de notre pratique — et les livres que nous produisons deviennent les artefacts d’un ethos passionné et guidé par notre méthode.
(Le contenu a son importance, mais pas autant qu’on le pensait au début.)

Nous avons l’intuition (pensée magique ?) qu’un grand pouvoir réside dans la matérialité des livres. N’êtes-vous pas d’accord que les livres sont des espaces d’engagement profond, prêts à générer du dialogue et de l’introspection ? C’est pourquoi nous espérons que des livres merveilleux peuvent nourrir les gens qui se sentent aliéné·es ou dépassé·es par l’ethos de la résolution de problème.
(Souvenez-vous, on meurt d’envie de privilégier l’amour et le care !) ¹²

Le potentiel des éditions d’artistes à résoudre des problèmes vient de leur alacrité à collaborer et à échanger. Les éditions imprimées demeurent de puissants vecteurs d’idées, et offrent un accès aux travaux des artistes permettant d’aller au-delà des restrictions qu’implique le modèle galerie/ musée présentation/vente.

Les deux projets éditoriaux dans lesquels je suis actuellement impliquée sont Whiz World, une revue trimestrielle menée par des artistes femmes écrivant depuis un point de vue féministomagico- spéculatif, et The Positions and Situations Project, une série de livres relatant des correspondances et des interviews avec des personnes ayant réalisé un retour à la terre¹³ durant les années soixante-dix. En partant de l’expérience que j’ai emmagasinée en faisant ces éditions aussi bien en collaboration que toute seule, j’ai pu formuler deux questions permettant aux artistes éditeurices de penser la résilience dans le temps de leurs pratiques personnelles et de leurs projets éditoriaux.

La rhétorique est partout, tout le temps. La rhétorique vend et offre une doctrine à laquelle se rattacher. Tout le monde connaît la rhétorique du punk, mais seul·es quelques intellectuel·les parmi elleux ouvrent le dialogue par-delà leur précieux havre de dégueulis et de haine. L’indépendance peut facilement se retrouver piégée par la complaisance, en particulier ces jours-ci, alors que nous vivons nos vies comme s’il s’agissait de bulles. On devrait éviter les bulles, en sortir. L’édition indépendante, lorsqu’elle est laissée dans un état encore visible par toustes, peut provoquer quelque chose de plus. J’ai adoré lire les zines nazis que j’avais trouvés une fois dans le train. J’adore zapper sur le câble et regarder des trucs qui me dégoûtent. L’ennemi couvre notre plus gros marché, offre la plus grande source de connaissance. Le big data est conservateur par nature. La dissidence analogique offre des opportunités. S’il vous plaît, revendiquez ces choses-là que vous détestez, empêchez les contenus suggérés par vos likes d’apparaître dans votre fil d’actualité. Il faut devenir tordu·e pour vivre pleinement. Faisons en sorte que cela soit pourquoi nous nous tournons vers des zines dérangés et plein de vomi plutôt que vers un sentiment de rejet. Méditez là-dessus. Prenez en charge votre communication en offrant de bons résumés, éditos et autres.

Les artistes éditeurices qui travaillent depuis des pays, des localisations, des contextes, des communautés ou des cultures avec une faible, voire une inexistante, tradition de critique des productions culturelles ont un différent lot de difficultés à gérer. Comme mon collègue Kristian Henson l’a fait remarquer une fois lors d’une interview (la citation m’avait été attribuée par erreur et je la paraphrase ici), dans ces contextes, tout acte éditorial est révolutionnaire. Le problème que nous rencontrons — celui d’exercer sans qu’on nous accorde aucun intérêt — est aussi la préface de notre pertinence. Presque chaque chose que nous osons, ou que nous nous risquons à publier, est digne de recevoir de l’attention et d’être conservée, parce que son existence même la met en danger.

Je ne suis pas certaine des problèmes sociaux, politiques ou environnementaux qu’une édition d’artiste peut résoudre par elle-même. J’aurais tendance à dire aucun ; c’est pourquoi les efforts collectifs qui aboutissent, fonctionnent, intéressent, évoluent en dehors du monde de l’art sont essentiels. Avec ce processus collaboratif en place, un acte s’inscrivant dans le cadre de l’économie de l’élite culturelle, même s’il la critique ou y résiste, fait nécessairement partie du paradigme capitaliste engendrant les maux que nous essayons (supposément, dans le meilleur des cas) de supprimer. Beaucoup d’éditions émergeant du monde de l’art prêchent pour leur paroisse, circulent dans leurs milieux privilégiés dans lesquels les gens ont le loisir ou le capital littéraire et théorique leur permettant de consommer ces objets sans se sentir dépassé·es, aliéné·es ou même discriminé·es par la langue que ces textes emploient. La théorie du ruissellement est une idée rassurante — tant que des travaux critiques sont produits et visibles, leurs contributions au capital culturel devraient ruisseler jusqu’aux zones mal desservies où le changement est le plus nécessaire — mais elle ne tient pas. Rien ne se propage en dehors d’un milieu intellectuel hermétique, qu’importe le contenu, sa pertinence ou sa valeur.

Comment surmonter la paralysie induite par son propre manque de discernement et de moyens d’agir en tant qu’éditeurice de contenus culturels (socialement engagés) ? D’une part, un ralentissement, un refus d’ajouter à ce qui est déjà plein à craquer, est une désobéissance romantique. De l’autre, ce refus signifie que vous courez le risque d’une accentuation des silenciations, des invisibilisations, des appropriations et des exterminations.

À ce stade, après neuf années de travail social et cinq d’auto-édition aux Philippines, je n’ai pas de réponse claire. Je suis désolée. J’ai seulement d’autres questions, et souvent, je me contredis moi-même d’un argument à l’autre.

Nous continuons malgré tout. Nous prenons le temps de publier fiévreusement, mais en petites quantités. Un tirage d’un millier d’exemplaires pour la première publication d’une édition d’artiste de niche ? Pourquoi faire ? La plupart de ces exemplaires dépérissent, mangent de la place, alimentent les mites et érodent l’estime de soi. Tout au moins, nous pourrions peut-être aborder le problème de la réduction de l’espace vital en jouant sur la pression (et l’envie) de produire du surplus pour de mauvaises raisons, par narcissisme, par optimisme excessif, ou juste parce qu’il s’agirait du nombre « minimum » qu’il faudrait tirer.

NETbooks est une collection créée par X Marks the Bökship et PrintRoom qui considère l’autoédition comme un point de départ pour d’autres projets liés à l’« auto-autosuffisance ». Ces projets sont menés par un petit groupe d’artistes et de designers — souvent après un exercice collaboratif ou un workshop — puis sont distribués par de petites plateformes éditoriales et maisons d’édition partageant les mêmes points de vue, en utilisant les avantages de l’impression en riso. Chaque NETbook nous plonge dans un champ particulier de la connaissance et présente une collection de trouvailles, avec une attention particulière portée au processus, au partage et à l’expérience collective.

NETbook n° 0

Ceci est une brève introduction à l’auto-édition et un guide pour brasser de la bière à la maison. En tant qu’auto-éditrice et brasseuse de bière occasionnelle, j’ai remarqué des similarités entre l’industrie de la microbrasserie et celle de l’édition indépendante.

PUBLIER
Publier se définit comme la dissémination de littérature, de musique ou d’informations — l’activité de rendre l’information disponible au grand public. Le mot publisher¹⁸ peut faire référence à l’individu·e qui dirige une maison d’édition ou une imprimerie, ou à la personne qui dirige un magazine.

AUTO-ÉDITEURICE
Les artistes et les auteurices peuvent être leur propre éditeurice, c’est-à-dire les instigateurices et les artisans de leur projet. L’auteurice est en contrôle de toute sa chaîne de production ; pour un livre, cela inclut le design de la couverture et du contenu, le format, le prix, la distribution, la communication et les relations publiques. Les auteurices peuvent tout faire elleux-mêmes ou peuvent déléguer certaines tâches à des entreprises offrant ces services. L’auto-édition ne se limite pas aux livres papier. Les e-books, pamphlets, brochures de vente, sites web et autres sont des médias très souvent auto-édités. L’auto-édition est une industrie florissante. Depuis 2008, pour la première fois dans l’Histoire, il y a plus de livres auto-édités que de livres publiés par des maisons d’édition traditionnelles.

PETITES MAISONS D’ÉDITION
Les petites maisons d’édition sont généralement définies comme étant les maisons d’édition sortant moins de dix titres par an et qui ne sont pas possédées par une grande entreprise. Vu que les revenus nets pour les petites maisons d’édition peuvent être faibles, beaucoup sont motivées par le but qu’elles poursuivent, comme, par exemple, le désir de contribuer à la dissémination de projets n’ayant pas accès à un lectorat important. Les petites maisons d’édition ont tendance à combler les trous laissés par les grandes maisons d’édition. Elles peuvent se concentrer sur des sujets de niche et expérimenter avec les contenus, les modes de production, les formats et la distribution.

LIBRAIRIES INDÉPENDANTES ET ESPACES ÉDITORIAUX
Les librairies indépendantes soutiennent les petites maisons d’édition en gardant en stock des exemplaires pour les petits distributeurs, et parfois même directement pour des auto-éditeurices. Les espaces éditoriaux ont souvent l’équipement nécessaire pour imprimer, et distribuent des livres sur place à un public choisi, des lancements de livre où l’on discute autour d’une bouteille de bière y sont organisés.

LE BRASSAGE est la fabrication de la bière. Les grains de céréales sont trempés dans de l’eau, et le liquide sucré est mélangé avec de la levure dans un processus appelé la fermentation. Cela peut être fait dans une brasserie par un·e brasseureuse professionnel·le, ou à la maison par un·e brasseureuse amateurice. Le brassage de la bière a toujours été une pratique domestique, et la bière était brassée chez soi pendant des millénaires avant de devenir une production commerciale. Des indices archéologiques suggèrent que les civilisations antiques, comme en Égypte et en Mésopotamie, brassaient de la bière.

Depuis le XIX^e siècle, l’industrie brassicole fait partie de la plupart des économies occidentales.

LE BRASSAGE MAISON consiste à brasser de la bière à petite échelle pour un usage personnel et non commercial. Les gens décident de brasser leur propre bière pour une multitude de raisons. Beaucoup font ça pour faire des économies sur l’achat de bières commerciales. Le brassage maison offre aux gens la liberté d’ajuster leurs recettes en fonction de leurs préférences, et d’inventer des formules qui n’existent pas sur le marché.

UNE MICROBRASSERIE produit de petites quantités de bière et est gérée de manière indépendante. Bien que le terme microbrasserie ait été utilisé à l’origine pour décrire la taille d’une brasserie, il est progressivement devenu le reflet d’un mode de pensée alternatif et d’une autre relation à l’expérimentation, à la flexibilité dans les recettes et au rapport client. Les microbrasseries ont adopté une stratégie marketing qui diffère de celles de la grande consommation en offrant des produits qui jouent plus sur la qualité et la diversité plutôt que sur le prix et la publicité.

UNE NANOBRASSERIE est une version réduite d’une microbrasserie, souvent gérée par un·e seul·e entrepreneureuse qui produit de petites cuvées pour la vente. Ces brasseries ne produisent habituellement pas plus d’une seule cuvée à la fois, et n’ont pas l’ambition de voir leur bière servie dans plein de bars à travers le pays. Elles élèvent la production et la consommation de bière artisanale au niveau supérieur.

LE BRASSAGE ARTISANAL est un nouveau terme qualifiant les directions prises dans l’industrie suite au mouvement des microbrasseries de la fin du XX^e siècle. Les brasseries artisanales sont petites, indépendantes et traditionnelles. La mention « indépendante » implique qu’au moins 75 % de la brasserie appartienne ou soit contrôlée par un·e artisan brasseureuse ; et « traditionnelle » veut dire qu’au moins 50 % du volume de la bière brassée doit être faite à partir d’ingrédients traditionnels ou innovants. Le système des trois tiers de la distribution de l’alcool est le système en vigueur régulant la distribution des boissons alcoolisées:fn-¹⁹. La structure fondamentale du système consiste en le fait que les producteurices ne peuvent vendre leurs produits qu’à des grossistes, qui ensuite revendent à des détaillants, ces détaillants étant les seuls autorisés à vendre aux consommateurices. Les brasseries artisanales sont libres de s’auto-distribuer et de vendre aux détaillants, ou directement à læ consommateurice dans un espace de dégustation, un restaurant partenaire ou via de la vente à distance.

UN BREWPUB est un mot-valise combinant les notions de brasserie [brewery] et de bar [pub]. Un brewpub est un bar qui brasse sa propre bière et qui la vend sur place.

RECETTE POUR FAIRE SA PROPRE BIÈRE
Extraire le sucre des grains pour obtenir le moût (bière non fermentée)
Faire bouillir le moût avec le houblon
Laisser refroidir le moût
Ajouter la levure
Fermentation
Seconde fermentation (conditionnement)
Mise en bouteille
Carbonatation
Boisson

Imprimé en 1 500 exemplaires en octobre 2022 sur les presses de l’imprimerie Corlet en Normandie.
Dépôt légal : novembre 2022 — N° d’impression : 22100538

Mille mercis à Temporary Services, aux 17 contributeurices ainsi qu’à Antoine Lefebvre, Rosanna Puyol et Yann Trividic. Mis en page par Théo Pall d’après la maquette originale de Temporary Services pour What Problems

Can Artist Publishers Solve ? publié par Temporary Services et PrintRoom en 2018. Le dessin en première de couverture a été réalisé par @feryel.kaabeche.

PrintRoom est un espace de présentation et de vente basé à Rotterdam, et dédié aux éditions d’artistes. Depuis 2012, PrintRoom gère un atelier de risographie où artistes, designers et autres curieux·ses peuvent prendre part à des workshops ou imprimer leurs propres projets. PrintRoom est né en 2003 à partir d’une collection itinérante, encore en développement, d’éditions d’artistes. En 2010, l’initiative se dota d’une adresse fixe à Rotterdam (au 17 Schietbaanstraat), où elle devint une plateforme palpitante pour promouvoir et vendre des éditions faites par des artistes, des designers et des éditeurices venant de partout dans le monde. La collection PrintRoom comprend divers types de documents allant de l’édition en couleur savoureusement conçue au modeste flipbook ou au zine photocopié. L’espace accueille des discussions, des présentations, des lancements de livre et des workshops qui questionnent les méthodes des artistes de l’édition indépendante.

https://printroom.wpcomstaging.com